L’intemporalité a un nom: Goyard since 1853


233 Rue Saint Honoré, une adresse tant historique qu’iconique pour la maison Goyard qui y tient son comptoir de vente qui au fil des siècles  a su conserver son authenticité. L’enseigne toute de lettres dorées  trône sur un acajou brut qui révèle l’image conservatrice de la marque qui contraste pour autant avec l’intemporalité des produits simplement exposés en vitrine. Une fois la porte du comptoir parisien franchi on retrouve l’omniprésence du bois d’acajou qui uniformise l’écrin comme pour mieux faire briller les milles et unes toiles Goyardines au motif à chevron emblématique et autres couleurs chatoyantes qui habillent les pièces Goyard.

Toiles Goyardine

Lumières presque tamisées, l’espace trouve convivialité par les forts caractères des produits phares et long sellersde la marque qui sont d’avantage mis en avant en cette période de fêtes qui s’amorce.

Anjou, le cabas réversible fétiche de la marque est en tête de file, les malles et autres accessoires de voyage eux, ornent chaque angle de la boutique  comme pour rappeler les origines, le patrimoine de la maison.

Aux différents comptoirs vitrés on retrouve les essentiels de petite maroquinerie, du portefeuille aux pochettes d’Ipad ; toujours présentés dans une diversité (minime) de tailles et de couleurs. Les étagères qui tapissent les murs prennent vie par l’élégance et la singularité de pièces de haute maroquinerie telle le Saigon pavoisé de sa peau de crocodile tantôt rouge flamboyant tantôt vert émeraude.

Saigon bag Goyard

Le comptoir 233 de Goyard, par ses allures transmet parfaitement l’identité et la pérennité de l’esthétisme unique de l’institution française qui sait se réinventer tout en préservant les codes qui ont fait, font et continuerons de faire d’elle une maison détachée du temps et des époques. Intemporelle, intergénérationnelle et internationale la maison Goyard est tous simplement indétrônable.

Cinderella in Paris

One of the most amazing things about living in Paris, is that you can have lived here for ten years and still be surprised by places you’ve never heard of. That’s what happened to me with the Galerie Vero-Dodat. I was supposed to enter the Louboutin store in order to write this article, but as I discovered this beautiful historical spot, how could I not include some lines about it? Situated in the heart of Paris, between the Palais Royal and Les Halles and built in 1826, this type of gallerie became very popular among  wealthy people at that time. That is where they went shopping!
However, with the advent of department stores around 1850’s, the popularity of the galleries began to decline. In the 1960’s, Vero-Dodat was listed as a historical landmark, and today it remains a spot of elegant shops specialized in antiques, art and  fashion boutiques.
No wonder there is a true arty atmosphere, so far from the one and only little boutique almost hidden in a huge luxury shopping mall in Brasilia! I think  I just shouldn’t compare…

In fact, it turns out that the Louboutin boutique has been there for over twenty years! That’s what I was told by the sales assistant, when I finally entered the boutique still blown away by the galerie’s charm . I opened the door and there I was, pretending to be a Brazilian tourist walking around, who coincidentally bumped into the Louboutin’s headquarters (men, women and make-up boutiques, as well as offices and atelier). I have to confess that it wasn’t really hard for the lovely Tatiana to plunge me into “Loubi’s” magnetism experience. Yes, we are girls,  we all suffer from the Cinderella syndrom and Christian Louboutin does understand this point. High heels, red soles, amazing design: this is the perfect formula to bring out a girl’s wish to feel empowered and sensual. He sure knows how to play with our feminine fantasies and his sales team are well trained to lead us to sin!!!

As she was showing me all those beautiful and different models, I was struggling with myself so as not to yield to temptation. On the other hand, I knew how this brand is way more expensive back home. Alright, this is the best excuse I could find!

Finally, the adrenaline went down when Tatiana informed me that the stiletto’s I had a crush on were not available in my size. Relief!!! Time to fly home then…

But, because there’s always a but, Louboutin’s fascination for shoes is so contagious that I am home now, I am safe, far away from all this shoe seduction thing, nevertheless I still can’t take the patent black stilettos out of my mind. “You will probably find them in our boutique rue Saint-Honoré”, said Tatiana as she gave me a card with all the “Loubi”  addresses in Paris. Smart girl,  she understood I wouldn’t be able to resist and I would go for them very soon. She could see it in my eyes. Because in the end, we are all Cinderellas and with or without Prince Charming, we still want to keep the shoes!

Fashion shows – more « show » than « fashion » ?


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I heard about it before I saw it: some friends at school had mentioned it the day after it took place, but I just couldn’t figure out what it could possibly be… That is… until I finally stumbled on a picture of the Rick Owens’ “tête-bêche” show from the 2016 spring-summer fashion week in Paris in the October 2015, #109 edition of Stylist magazine. Stunned by how little information this woman carrying an unclear thing at first sight revealed about the outfit or conveyed about the designer’s style, I wondered: “are today fashion shows more about being remembered for the show themselves than thanks to the clothes they display? Do you really have to go to such extremes to be noticed in the cluttered fashion week? Or is this a mere mishap from too much creativity overflow? »


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This season, many designers, such as Chanel and Dior – just to name a few – clearly did appeal to the “happening” side of this sort of events – going all out in the stage setting, competing for the “must-show to attend / must-place to be seen” effect, with Karl Lagerfeld’s amazing ChanelAirlines at the Grand Palais or Raf Simons’ stunning Delphinium tent at the Louvre. For years, Chanel has been accustomed to making the buzz at the Paris fashion week, and this year’s show was no exception. But although the Grand Palais was turned into a mock-up airport terminal inside the Grand Palais, the flow of bright and creative outfits pouring with must-have accessories alike were still at the forefront of the attention thanks to the white backgrounds and carpets.

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On the other side, some other brands seemed to play on the low profil attitude at first sight. Faithful to their brand image of elegant discretion, Hermes left the floor clearly for its clothes with no other distraction for the eye. White and beige backgrounds and no decoration were the setting for Nadège Vanhee-Cybulski. No artefacts, it was all about splendid, sleek, yet trendy with this “je ne sais quoi” of style and “savoir-faire” that separates haute couture from mere fashion. But such a show could only pull it because it was supported by extreme attention to details and expertise and located moreover in a beautiful and exceptionnal setting – so it may have looked « simple », but the show was definitely “on” .

So yes, Haute-couture houses and greatest brands ARE rivalling for attention in their own way, because it’s all part of the game. May it seem simple or complicated, serious or fun, 10 minutes it’s all they have each season to make it happen. In such short time, artistic directors must demonstrate not only creativity, but also showcase their brand image and personality. And we must admit, not only do we enjoy it… we expect it.

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All of that being said, and to end this note where I began… the picture of the Rick Owens show did trigger an itch in me to find out more about the designer and his clothes, as I must shamely admit I wasn’t familiar with. I worked my way through the internet to find the actual replay of the show on YouTube, and even clicked through the on-line store. The path to a first acquisition may not have been simple in my case, yet I must admit I can definitely picture myself in this €1,971 FW15 Sphinx Cowl Stooges jacket in black leather!

Alber Elbaz et Lanvin : La Séparation

Après la non-reconduction du contrat d’Alexander Wang chez Balenciaga, et quelques jours seulement après la séparation de Christian Dior et Raf Simons, c’est au tour de la maison Lanvin de confirmer le départ de son couturier Alber Elbaz, mettant fin à 14 années de collaboration.


Alber Elbaz quitte Lanvin. Cette annonce de la publication spécialisée WWD a fait l’effet d’une bombe, mercredi 28 octobre dernier, dans l’industrie du luxe.

Le couturier au nœud papillon était entré en 2001 chez Lanvin et avait su donner un nouveau souffle à la maison parisienne, tout en imposant son style avec élégance. Aujourd’hui, il quitte la prestigieuse adresse du Faubourg-Saint-Honoré, sur décision de l’actionnaire majoritaire, Mme Shaw-Lan Wang, avec laquelle il semblait avoir des différends.

Final Lanvin Show - CREDIT Rex Shutterstock

Les réelles causes de cette séparation restent cependant floues. Certains voient en Elbaz le nouveau directeur artistique de Dior, quand d’autres pointent du doigt une certaine lassitude de la part du couturier, « médiatiquement dépassé par d’autres créateurs comme Olivier Rousteing chez Balmain ».  Quoiqu’il en soit, à 54 ans, Alber Elbaz tourne la page. Celle d’un chapitre qui a marqué l’histoire de la maison de couture française, la plus ancienne, fondée il y a 125 ans.

Celui qui a participé à l’exposition Jeanne Lanvin au palais Galliera, avant de faire l’objet d’une introspective à la Maison Européenne de la Photographie, devrait rapidement rebondir. La critique reste, en effet, optimiste, quant à l’avenir du designer. A la tête de la création chez Dior, ou ailleurs, il saura mettre à profit sa maturité et sa notoriété pour faire perdurer son talent. En atteste son Superstar award, remis fin octobre dernier, par Meryl Streep lors de la Fashion Group International Night Of Stars à New York.

Les salariés de Lanvin, eux aussi conquis par la « créativité sans faille » du couturier, réclament déjà son retour, inquiets quant à l’avenir de la maison. Ils pourraient même assigner en justice la direction pour dénoncer les décisions de gestion et « faire entendre leur voix ». Affaire à suivre donc…


Source : wwd.com

Luxe, calme, et volup(thé) : un samedi de la mode au Bristol

Lassés et fatigués après ce mois de septembre sportif où vous avez dû enchaîner comme dans un marathon toutes les fashion weeks en courant de défilé en défilé ? Et pourtant, déjà triste de voir se clore cette parenthèse féérique… Et si je vous emmenais au samedi de la mode organisé tous les mois par le célèbre palace parisien Le Bristol ? Oui, oui j’ai bien compris que vous avez eu votre dose de catwalks, mais si on vous installe dans le très cosy salon Castellane de l’hôtel, et que l’on vous sert quelques douceurs ? Ah, je vois déjà que je vous changer d’avis.

Il fallait y penser, le Bristol l’a fait : célébrer dans un même événement raffinement visuel et émerveillement des papilles, le tout, sous le signe du luxe. Peut-être une évidence pour cet hôtel qui depuis longtemps s’affirme comme le rendez-vous des couturiers et des passionnés de mode.

DevauzeetdugatLe concept est simple : un tea time élégant et original où se mêlent design et gourmandise. A l’instar des Jimmy Choo Fashion Afternoon Tea, la fameuse adresse parisienne propose depuis 2006 à ses convives de se retrouver autour d’une pause sucrée. Tout en savourant une tasse de thé et en se délectant d’un assortiment de pâtisseries fines et de fingers sandwichs, les invités peuvent assister au défilé privé d’un grand couturier en exclusivité.

Ce samedi 10 octobre, c’était la maison Devauze et Dugat qui venait présenter ses modèles, et célébrer – tout comme le Bristol ! – ses 90 ans.

Devauze et Dugat, c’est avant tout une histoire de famille. Lancée en 2013, la maison est forte d’un riche passé remontant au XIXème siècle, la grand-mère de la créatrice, Geneviève Devauze, exerçant déjà sa passion pour le dessin et la broderie. Enracinée dans l’éthique de la marque, la notion d’héritage se lit dans le logo même, qui est une reprise trait pour trait des armoiries de leur aïeule.

Tradition donc, mais pas passéisme. Au contraire, l’idée de la maison est de revisiter les classiques, les détachant de toute emprise temporelle, tout en les adaptant à l’époque dans laquelle ils évoluent. Sur cette robe, on rajoutera des poches pour plus de commodités, là, on glissera une attache bretelle pour plus de confort.

Résolument, la femme Devauze et Dugat est bien dans sa peau, bien dans son époque, tout en appartenant à aucune. C’est une femme moderne, vivante, dynamique et active.

« Devauze et Dugat, c’est un esprit, non un produit fini » affirme la petite fille de Geneviève Dugat. Dès lors, on ne parle plus de collection, mais de sélection.

Loin de faire dans le détail, ce glissement est essentiel puisque comme le souligne la créatrice elle-même, il s’agit davantage de proposer des modèles que de les imposer aux clientes. On ne peut ici que souligner l’originalité de cette conception dans l’univers du luxe : alors que d’ordinaire la marque impose un modèle, un it bag ou autre, ici, on prône au contraire un travail à quatre mains, comme un acte de co-création mené de front par la créatrice et la cliente. Ensemble, elles iront choisir les tissus, adapteront tel modèle à une morphologie donnée, ajouteront un élément, épaulées dans leur travail par les petites mains des meilleurs ateliers parisiens, comptant certains Meilleurs Ouvriers de France.  Et cette importance du processus créatif aux yeux de la maison, tout à chacun peut en prendre conscience en se rendant au studio de création où est accueilli chaque cliente, et plongeant cette dernière au cœur du métier.

La sélection faite le 10 octobre se veut une relecture de la mode de ces quatre-vingt-dix dernières années. Épurée, la ligne évolue toute en fluidité pour donner de très belles robes de soirées sublimées par un grand travail de broderies. La transparence et les jeux de
matières donnent la part belle aux tissus.Et ce jeu de matières, on le retrouve aussi dans le dessert crée spécialement pour l’occasion par le chef pâtissier Laurent Jeannin.

Alors que le défilé vient de se terminer, une nouvelle création fait son entrée sur les plateaux d’argent: un entremet à l’aspect de velours rouge, où vient se déposer une arabesque en chocolat, ornée d’un bouton de couture. Contrastant avec cette douceur, un sablé breton  en guise de socle amène du croquant à la préparation, et structure l’onctueuse mousse fromage blanc où se se cache un délicieux insert orange et mandarine. Comme dans les pièces présentées par la maison de couture parisienne, tout est question de détails, de contrastes : ici la transparence de la tulle affrontant l’opacité du velours ; là, l’acidité de l’orange venant dynamiser la douceur de la vanille.

Quand ce grand défilé gustatif et esthétique se termine, une impression forte reste : celle d’avoir vécu une expérience multi-sensorielle du luxe. Ou bien, quand la grande gastronomie rencontre la haute couture au sein d’un palace légendaire.

Samedi de la mode, Salon Castellane, Hôtel le Bristol 112, Faubourg Saint Honoré 75001 PARIS.

Formule à 70 euros incluant défilé, thé/café, coupe de champagne, petits fours salés et création originale du chef pâtissier Laurent Jeannin.

De la valse des créateurs à la valse du branding

Largement relayé par les médias spécialisés, le mercato de la mode se définit par l’alternance des directeurs artistiques dans des maisons de mode qu’ils n’ont pas créées. Le départ d’Alber Elbaz de Lanvin fait écho à celui de Raf Simons déclaré à quelques jours d’intervalle. L’incessant ballet des directeurs artistiques de maisons n’en finit plus.

De ces phénomènes, ressortent plusieurs questions : comment ces changements affectent l’identité des maisons et surtout quels choix ont pris ces nouveaux directeurs artistiques dans leur travail de réinterprétation des codes de leurs maisons ?

Chaque départ et chaque arrivée redessinent la silhouette des maisons de mode. Ce phénomène influe beaucoup sur son identité première parfois au point de créer un fossé entre la silhouette originelle et actuelle. Si certains directeurs tentent de minimiser ces changements, ils marquent inexorablement l’ADN de la maison de leur empreinte. Certains choisissent d’intégrer des codes stylistiques comme Raf Simons chez Dior. A l’inverse, Hedi Slimane pour Saint Laurent Paris n’a pas reproduit cela d’où la difficulté de reconnaître le look type et les critiques. Dans ce cas, la réaction du public permet de comprendre l’impact du mercato. Ces changements de style ne sont visibles que pour la communauté de la marque. Le grand public ne sera pas touché ou révolté. Un connaisseur ou un client fidèle saisira l’altération. C’est pourquoi emporter l’adhésion de ce dernier est difficile. Finalement, un amateur se montrera plus objectif qu’un expert quant au travail du designer embauché.

Pour d’autres maisons, la transition a vu naître de spectaculaires changements avec la nouvelle femme Nina Ricci qui se veut sexy grâce à Guillaume Henry quand celle de Louis Vuitton avec Nicolas Ghesquière se montre aventurière et funky. Puis, Kenzo remis au goût du jour par le duo Umberto Leon et Carol Lim demeure tout de même en cohérence avec l’esprit de la maison. Kenzo Takada, fondateur de Kenzo a déclaré être satisfait du travail des deux stylistes : une reconnaissance rare voire unique dans le monde de la mode. Tous ont réussi à imposer une nouvelle silhouette, à la faire évoluer sans donner l’impression de trahir l’originelle au contraire d’Hedi Slimane. Autrement, il s’agit de faire table rase du passé comme avec le travail d’Alessandro Michele pour Gucci. Salué par la critique, ce dernier a créé des collections très pointues et poétiques; il a métamorphosé la marque. Dans le même sillon, Alexander Wang aura marqué notre époque avec sa version ultra tendance et urbaine de Balenciaga.

Enfin, quant à Maison Margiela, la créativité débordante de John Galliano fonctionne bien avec la marque. L’expérience du nouveau directeur artistique permet à la marque d’explorer d’autres horizons. C’est bien pour cette raison que le mercato s’intensifie : ces directeurs artistiques apportent un nouveau souffle dont les clients raffolent (l’intérêt économique n’est pas à négliger mais la sphère du luxe permet de ne pas en faire un paramètre primordial). On comprend donc que la revitalisation d’une marque est un mal nécessaire. La réinterprétation des codes d’une maison n’est pas négative mais ouvre d’autres portes. Somme toute, il est difficile de trahir le code source d’une marque tant il se montre riche par la possibilité de sa déclinaison. Le look ou le style d’une marque n’est pas incarné pas par un type de vêtements mais davantage par une allure et par une technique comme la femme guerrière par Rick Owens et le tweed par Chanel.

Quand le « Click & Buy » rencontre la mode…

Select12179321_10207887528447274_949950695_nionnist (nom masculin, anglicisme) Shazam de la  mode

Un tonnerre d’applaudissement pour cette application ! Son but, nous aider à retrouver tous les must-have fashion dans les magazines. Le procédé est très simple : on se connecte à l’application, on flash la pièce qui nous plaît pour qu’un e-commercant apparaisse pour acheter la pièce en question. Actuellement, plus de 5000 produits y sont référencées avec 30 magazines partenaires.

Qu’en pensons-nous ?

Nous pensons que cette nouvelle application arrive à point nommé ! Du fait d’un changement de comportement notoire de la cible actuelle, il devenait presque crucial de créer quelque chose qui permettrait à tout le monde d’accéder, ou presque, à des pièces vues sur le print. Cela révolutionne quelque part le parcours client dans le monde du luxe. En effet, dans les prints partenaires tels que ELLE ou Madame Figaro, les pièces mises en lumière sont pour la plupart des pièces pointues, de grande marque.

Grâce à cette appli, il est désormais beaucoup plus simple d’accéder à de telles pièces sans se déplacer ni à avoir à passer le seuil d’une boutique. On peut alors se poser des questions sur l’expérience client dans le luxe ? Cependant, dans ce monde d’ultra-connectés, les gens aiment de plus en plus être en mouvement et la possibilité de retrouver et acheter une robe lue dans un magazine réputé pour ses pièces pointues est assez réjouissante. Qui plus est, le fait de pouvoir acheter une robe lue dans le ELLE italien ou un chapeau dans le Madame Figaro français fait grimper la valeur ajoutée de l’application.


L12179448_10207887528367272_553628964_nikeToKnowIt (nom masculin, anglicisme) Gagneur de temps

Surfer sur le succès d’Instagram en créant une application qui permet de recevoir par mail toutes les marques simplement en likant une photo, pourquoi ne pas y avoir pensé avant ?

Qu’en pensons-nous ?

Nous pensons que la génération actuelle passe déjà son temps à liker des photos sur Instagram. Recevoir toutes les marques par mail automatiquement est donc un atout de plus pour le Fast & Luxury Shopping. Pouvoir trouver nos pièces favorites sur Instagram sans avoir ni à se déplacer ni à guetter sur tous les sites marchands est une invention ingénieuse et qui va plaire à coup sûr. On pense également au plaisir que l’on va ressentir lorsque l’on va pouvoir s’acheter une pièce que notre mannequin/star/chanteuse/it girl préférée porte sur les réseaux sociaux.
Good Job LikeToKnowIt !

Quand Dior Homme s’installe dans le Triangle d’Or



La rue François 1er amène une empreinte masculine avec l’ouverture de la boutique Dior Homme. Entre un cadre épuré et des prestations exceptionnelles, visite guidée de la nouvelle boutique de nos Hommes Trendy dans l’air du temps.

On y rentre comme dans un palace avec sa marquise de verre et fer forgé. L’atmosphère est pure, blanche, la lumière illumine les moindres recoins de cet espace pensé uniquement pour l’homme, son charme et ses costumes. Les volumes sont très spatieux, on y ressent comme un souffle de modernité tout en restant sobre, mettant l’accent sur les collections du belge Kris Van Assche, le directeur artistique de la maison.

Au rez-de-chaussée, les accessoires et chaussures sont mis à l’honneur. On y retrouve la petite maroquinerie mise en avant dans des blocs de verre, du petit porte-carte Dior au porte-feuille en cuir de la dernière collection, mais également des sacs à dos et pochettes. Sur la droite, un espace plus intimiste est réservé à la chaussure, en passant de la sneaker légère aux chaussures à semelles hybrides.

C’est au premier étage que la maison française démontre une nouvelle fois son talent pour l’inédit. On y trouve bien entendu les collections du défilé, les manteaux oversize ainsi que les blazers des plus élégants. Les collections plus classiques et intemporelles sont aussi présentes avec des mailles fines et des costumes au tombé parfait.image

Un peu plus loin, dans un petit salon attenant, les joies du service « sur-mesure » vous attendent. Il vous est possible de choisir, pour certains modèles de manteaux, de costumes ou de chemises, la coupe « parfaite » et en décider la matière dans une gamme de plus de 600 tissus différents. Le maître tailleur de la maison s’occupe personnellement de vous ; 5 à 8 semaines plus tard vos produits seront prêts.

Les autres maisons n’ont qu’à bien se tenir ; la révolution de l’élégance moderne par Dior Homme est en marche.

Manolo Blahnik: 40 years devoted to women’s shoes


One cannot be a fan of shoes and not knowing Manolo Blahnik. One cannot be into fashion and not knowing this Spanish designer.
Moreover, last September, in order to celebrate his more than forty years of life work, Rizzoli published his monograph « Manolo Blahnik: fleeting gestures and obsessions ». So, where did Manolo took his inspiration? Why did he became so famous?

His career began with a lucky meeting. In the early Seventies, while in New York, Blahnik had the chance to meet Diana Vreeland, the editor-in-chief of US Vogue. When he presented her his portfolio of drawings, she admired his shoe sketches and suggested that he focused on designing shoes. Suddenly, back to London, he started creating shoes. At the beginning, he came up designing men’s footwear, but then he turned to women’s because he found that drawing men’s shoes limited his imagination. In a fashion world which was mostly dominated by clunky platforms in the Seventies, he revived the trend of the stiletto heels, which has since become his recognizable signature. Since the opening of the first flagship store in New York in 1977, Manolo Blahnik has become a very famous shoe designer, and a symbol of the pure classic style for the 21st century. As he said, « a successful collection is a combination of occasional avant-garde looks for the affluent few and good solid looks that will wear forever ».

So, what is the key to his success? Every single shoe that bears his name is entirely created by him. From the drawing to the final result, Manolo is the only responsible for each step of the production. He not only draws the design, but he also handcrafts the shoes himself. Moreover, his eclectic passions are essential to his creations. In the volume above, he mentioned his sources of inspiration: from the cinema of Visconti, to the writings of Tomasi da Lampedusa, from the paintings of Velazquez and Goya to the classicism of ancient Greece and Rome, not forgetting his first inspiration: his mother. Manolo’s family, hailing from Canary Islands in Spain, frequently travelled to Paris and Madrid to order clothes from his mother’s favorite couturier, Cristobal Balenciaga. Besides, she learned the rudiments of crafting shoes with brocade and satin fabrics from a local Canary Islands cobbler. This explains why Manolo’s shoes are made by brocade, silk and delicate buckles. As you can see, for instance, in the « Hangisi pump » which became a classic since Sarah Jessica Parker in her role of Carrie Bradshaw on « Sex and the city », wore them in the movie in a cobalt blue version for her wedding. The popularity of « Sex and the city » in the 2000s turns the shoe designer Manolo Blahnik into a celebrity.


Digital is the godfather of LUXURY

On pensait que les maisons de luxe et le digital étaient paradoxalement incompatibles, toutes les industries s’adaptent aux paradigmes qui font la société et pour compte, nous pouvons avancer que l’industrie du luxe se joue de tous les leviers exploitables via le Web 2.0. et 3.0.

Petit panorama des différents moyens que mettent en place  les marques de créateurs pour élargir leur e-visibilité /e-réputation / « e-dream ».


  1. L’exclusivité web

Les maisons l’ont aujourd’hui bien compris, sur le web le créneau sur lequel il faut jouer est L’E X C L U S I V I T E !  Il reste le moyen phare d’acquisition pour contrer l’effet « mainstream » que représente Internet. Ainsi, chaque occasion particulière est l’opportunité de créer une collection capsule uniquement disponible sur Internet et bien sûr en édition limitée. Il ne s’agit pas seulement d’adapter les codes du luxe au Web mais de les intensifier afin d’assurer la convoitise du bien de luxe et la notion d’exclusivité qui lui est propre.

Dernière en date la collection capsule « 10 years » d’Alexander Wang :

Son concept, faire participer sa communauté pour célébrer les 10 ans de la marque, elle choisit les 10 pièces les plus mémorables à ses yeux qui seront rééditées et vendues exclusivement sur le site de la marque #WANG10.

2. Les influenceurs

Décriés puis adoptés par l’industrie, les blogueurs mode sont dorénavant des « icônes » qui reflètent la notion de rêve liée au luxe. Leurs parcours est représentatif d’une certaine forme  d’accomplissemenrrt auquel tout le monde peut s’identifier.

Photo Credits: VOGUE SPAIN April 2015

Photo Credits: VOGUE SPAIN April 2015

L’exemple par excellence, la blogueuse mode slash business woman italienne, Chira Ferragni qui n’ayons pas peur des mots est la « papesse » du milieu qui s’est fait sacré en Avril dernier en apparaissant à la couverture du VOGUE Espagne. Partenariats et sponsorings sont les moyens qu’utilisent les marques pour mettre en avant leur image ainsi que leurs nouveaux produits par ces ambassadeurs qui leurs permettent de toucher différents segments qui font vivre l’industrie et son mythe.


3. Les réseaux/medias sociaux

Les réseaux dédiés à l’image, la mise en scène et qui sont porteur d’inspiration pour le public sont les privilégiés des maisons du luxe car ils leurs permettent de se raconter. En effet, elles s’approprient l’art du storytelling sur Instagram, Snapshat, Tumblr, Pinterest et autres You-Tube afin d’y partager leur créativité  et retranscrire au grand public  l’univers, les codes, l’identité voir l’essence de de la marque. Tout comme une fenêtre qu’on aurait laissée entre ouverte sur les backstages des marques, les réseaux sociaux  deviennent de plus en plus intimes et offrent des moments encore jamais exploité ou du moins pas sous cet angle au public qui le vit par le biais de hashtags. Pour illustrer ces pratiques, la marque anglaise aux fameux trenchs, BURBERRY a su nous étonner. Entre les previews éphémères des différentes silhouettes de la collection printemps/été la veille de leur show à la #LFW  le mois dernier et leur live shooting pour cette même collection jeudi dernier la marque enchaîne les « premières » dans le genre et offre des moments confidentiels à sa communauté.


4. Les shows

Vivre  les premiers rangs des défilés les plus prestigieux n’a jamais été si abordable dès lors l’apogée de la génération selfie et hashtag. Et nous l’avons vu précédemment, les marques sont loin d’ignorer ce phénomène. Bien au contraire, elles se l’approprient et font de leurs show des lives sessions aux différents points de vues et expériences. Les fronts rows sont les nouvelles vitrines des catwalks par leurs publications en tous genres. Prenons l’exemple du dernier CHANEL show qui a généré pas moins de 13 444 publications sur Instagram avec son #chanelairlines. D’un autre point de vu, c’est le défilé « SELFIE » de Dolce & Gabanna pour la collection Printemps/Eté 2016 à la Milan Fashion Week qui mettait en scène ses mannequins en accros des selfies qui eux étaient directement  publiés sur les réseaux sociaux.

Dolce and Gabbana Spring/Summer 15show

Photo Credit: Instyle magazine

L’ensembles de ces outils sont en accord total avec les générations connectées qui prônent le partage ou encore l’auto médiatisation qui sont ancrés dans la culture 2.0 . Pour autant, l’industrie du luxe se voit déjà aux prémices des expériences 3.0. Oui, 3.0 (vêtements connectés, la 3D et bien d’autres) car le futur se prépare dans le présent, notamment dans la mode avec la « Fashion Tech Week » que l’on peut qualifier comme la succursale de la « Fashion Week » de demain. Et, ce sont les initiatives de ce genre qui nous confrontent au fait qu’entre luxe et nouvelles technologies synergie il peut y avoir.